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Ska, Reggae, Rap(대중음악의 이해)

제8강 Ska, Reggae, Rap학습목표○ 포크뮤직, 사실주의, 모더니즘, 포스트모더니즘간의 구별을 통해 본 사회적 맥락에서 레게의 텍스트적 발달을 이해한다.○ 사회적 맥락에서 랩의 발달과 이로 인해 제기된 문제들을 이해한다.목차??Ⅹ?Ⅸ. 스카, 레게0. 레게의 이환적인 특색1. 음악적 특징2. 레게 음악의 형성 과정3. 라스타파리아니즘이란?4. 라스타 주제의 발전Ⅰ. 사실주의, 모더니즘, 포스트모더니즘, 포크문화와 레게1. 레게의 텍스트적 발달Ⅱ. 랩과 힙합0. 랩의 다 문화주의1. 랩의 발화방식2. 랩의 젠더와 정치??Ⅹ?Ⅸ. 스카, 레게0. 레게의 이환적인 특색레게의 원래의미는 자메이카 팝 음악의 일반적인 명칭이며 소울음악의 자메이카식 버전이다.자메이카 원래의 포크음악을 맨토(Mento)라고 불리는데 집에서 만든 악기로 연주하는 음악을 가르킨다. 이런 의미에서 스키풀 (Skiffle1950년대 후반에 유행한 재즈와 포크가 섞인 음악)과 비슷하다.1. 음악적 특징1966년부터 1968년까지 록-스테디는 지방 DJ들에게 상당한 인기가 있었다. 록-스테디는 스카 보다는 느린 템포와 육중한 베이스라인, 비틀어대는 기타소리, 백그라운드 싱어들과 더불어 한사람이 솔로 연주자의 중점을 두었다. 바로 록-스테디는 강한 소울의 영향을 받은 흔적이 영역하다.스카와 록-스테디는 레게처럼 자메이카 사회의 억압받는 일상생활이라는 중요한 주제를 제시했다.특히 레게의 음악적인 것은 선율보다는 리듬에 역점을 둔 음악이며 경쾌한 리듬이 레게의 생명력이다. 레게는 댄스음악의 형태를 갖게 되며, 바로 이런 리듬이 세계의 음악으로 자리 잡게 되었다.2. 레게 음악의 형성 과정레게는 록 스테디에서 발전한 특수한 유형이라고 클라크는 다음과 같이 설명한다.록 스테디는 다양한 자메이카 사람들의 특수한 경험을 표현하기 시작한 데서 출발한다. 정치적인 저항이 증가했지만 다른 주제들을 이야기하는 노래들도 여전히 그 음악 장르의 일부분을 차지하고 있었다. 1968년 록 스테디는 분명 전혀 다른 리드미컬한 음악 장르인 레게가 되었으며, 레게는 보다 빠른 리듬을 지닌 록 스테디와 스카의 결합이었다. 바로 스카라는 음악 형태가 록 스타디라는 이름을 거처 60년대에 레게로 불리게 되었다.3. 라스타파리아니즘(Rastarfarianism)이란?본명이 라스타 파리였던 에티오피아 옛 황제 하일 셀랏시(Haile Selassie)를 숭배하는 사상이다.라스타의 발전에는 많은 선구자들이 있었지만 1960년대와 1970년대의 가장 중요한 위치를 차지하고 가장 많은 찬사를 받은 것은 금세기 초에 세계흑인 진보연합(UNIA)을 자메이카와 미국에 창설했던 흑인태생의 자메이카인 마커스 가비(Marcus Garvey)의 작업이었다. 그는 Back to Africa (아프리카의 복귀)운동에 부응하였던 라스타파리아니즘 신봉자들은 셀랏시를 흑인들의 신으로 믿으며 그가 백인에 의해서 빼앗긴 그들의 고향 아프리카로의 복귀를 이루어 줄 것으로 믿는 무속적 신앙을 토대로 레게음악은 출발한다.4. 라스타 주제의 발전라스타의 주제들은 1960년대 후반에 레게로 나타났다. 보컬 그룹형식, DJ가 이야기하는 형식, 더빙형식이라는 세 가지 형식으로 나타났다.(0) 보컬 그룹 형식(1) DJ가 이야기하는 형식(2) 더빙형식Ⅰ. 사실주의, 모더니즘, 포스트모더니즘, 포크문화와 레게포 크사실주의모더니즘포스트모더니즘세 계'특정한' 각지역의 초자연적인 혹은 종교적인선명한 창 세속적인낯선 불투명한논리적으로구성된서 사삽화적인원인과 결과시작-중간-끝파편화된다른텍스트들의결합으로 생긴 원인과 결과생 산즉각적인 연주에 기반을 둔다.숨겨진배경이 되는명랑한 +문제적인포크의 문화, 사실주의, 모더니즘, 포스트모더니즘의 이상적인 형식1. 레게의 텍스트적 발달(1) 스카의 전 단계 유형들은 기본적이고 포크적인유형들이 있다. 변화하지 않고 전통적이며, 특수한 사회집단과 특수한 지역성에 뿌리를 두고 있음을 의미한다. 스카는 자메이카 사회의 사회적·정치적인 문제들을 고발하기 시작했다는 점에서 중요하다. 소리체계(sound system) 역시 가장 최근에 만들어진 소리는 특유의 혹은 새로운 느낌과 명성을 확립함으로써 높이 평가 받고 있으며, 음반 판매가 중요하고 한 때 특별한 음반이 댄스 음악에서 개발되어 활기를 띄었지만 그 소리의 출처를 숨김으로써 대량 보급을 막으려 했다.이런 몇 가지 성공 사례를 영국에서 찾을 수 있으며, 사실주의의 변천이 잘 진행되고 있었지만 이것 역시 위에서 정의한 것처럼 포크의 형태를 띠고 있었다.(2) 레게의 사실주의 전통은 1960년대에 발달했으며, 중요한 것은 일종의 사회적 사실주의가 이미 스카가 록 스테디와 레게로 변한 것과 같은 연이은 발달에 주목하고 있었다는 사실이다.레게의 가사는 사랑과 상실의 주제를 드러내는 경향이 있었고, 악기들은 댄스 음악처럼 너무도 단순했다. 라스타파리의 주제들은 더 중요한 의미를 지니고 있었다.1970년대 초반에 이러한 유형의 다양한 양상들이 웨일러즈의 작업과 밥 말리라는 인물을 통해 통합되었다.밥 말리의 사실주의 전략, 1970년대와 1980년대에는 다양한 레게 예술가들이 모더니즘의 유형 들을 발전 시켰다. 이것은 종종 사실주의 흐름보다 먼저 나타난유형들의 몇 가지 양상에 기초를 두고 있었다.(3) 소리 체계를 중심으로 레게의 모더니즘 운동을 요약하는 덥(dub)과 DJ스타일과 같은 두 가지 유형들로 발전하였다.덥 스타일은 소리 그 자체를 가지고 연주하는 것이며, 프로듀서의 역할이 중요시되며 소리의 전문가로서 일종의 예술가이다. 그 유형의 예술적 전문성은 모더니즘 예술이 주목받는 것처럼 소리 그 자체로 가치가 있다.DJ 스타일은 초점이 음향(sound)보다는 목소리(voice)였지만, 유사한 것들이었다. 이 상호현상은 긴밀한 동전의 앞뒷면처럼 자주 익숙한 리듬 트랙을 직접 따라 부르는 경향에서 왔다. 이런 말은 서사에 속하는 것이었지만, 주된 흐름은 자주 반복 되었고 주목을 받았다.레게의 모더니즘은 변이들이 동시에 일어나기 때문에 직선적인 의미에서 단순히 사실주의를 따르지는 않는다. 그러나 이 과정 가운데서 발생하는 사회적, 문화적 투쟁의 역할을 인정하는 것은 중요하다.모더니즘적 레게의 경우에 있어서 이러한 경향은 그 전통 자체의 자료들, 성장하고 있는 사실주의 레게의 지배력, 점점 세련되어 가는 취입 기법과 같은 기술적 자원을 포함한다.모더니즘적 유형들은 새로운 기술적 발전을 통해 여과된 핵심 보컬 악구들, 성경적 이미지, 신화적인 주제들을 사용함으로써 우세한 사실주의적 전통에 대항해서 만들어 졌다.이런 점에서 레게 아방가르드는 실험적인 레게의 주장들을 발전 시켰으며, 밥말리와 웨일러즈는 대중화에 점점 더 넓게 퍼져나간 국제적인 형식보다는 더욱 실재하는 레게의 유형으로 간주되었다.(4) 1980년대와 1990년대는 포스트모더니즘적인 현상으로 소울과 록과 레게가 혼합하는 양상이 나타났는데 그들은 조화롭게 통합하기 보다는 그들이 한데 뒤엉키는 다양한 담론들을 허용하는 방식을 취했다.음악 생산은 청중이 텍스트의 통합 과정을 더 잘 알게 될 때, 그러한 지식을 가지고 연주하기가 쉬워진다. 우리는 포크뮤직, 사실주의, 모더니즘, 포스트모더니즘간의 바른 구별을 통해 사회적 맥락에서 레게의 텍스트적 발달을 고려해야 할 것이다.Ⅱ. 랩과 힙합일반적으로 랩은 그 뿌리를 흑인 음악에 두고 있지만 1979년부터 광범위하게 알려지게 되었다. 랩은 옷차림, 언어와 같은 특별한 형식을 포함하는 뉴욕의 힙합 문화의 일부이다.힙합문화에 대해서는 Paul Gilroy (1991)는 랩과 힙합이 영국과 카리브해에 뿌리를 두고 있다고 지적한다. 대부분의 랩에 대한 정의에서 랩은 의상과 표현 스타일, 댄싱, 낙서예술(graffiti art) 및 다른 형식의 문화적 표현을 포괄하는 힙합문화의 한 범주로 정의된다. 힙합의 대부분은 사라졌지만 랩은 살아남았고 많은 흑인 젊은이들의 음악 취향으로서 자리를 잡고 있다.랩은 1980년대에 가장 대중적이고 영향력 있는 아프로-아메리칸의 음악형식이며, 미국 흑인음악의 가장 역동적인 동시대 대중문화의 지적, 영적 그릇이라고 간주된다.이 음악은 DJ가 다양한 음반과 음향들을 혼합함으로써 만들었다. 과학 기술의 발달로 인해 음향과 목소리에 대한 실험들이 랩과 더불어 자메이카에서 영향을 부분적으로 받은 형식들에 의해 이루어졌다.그러나 랩이 다른 음악들과 구별되는 점은 여러 가지 요소들을 선택적으로 혼합했다는 것이다.0. 랩의 다 문화주의랩에 대한 연구는 몇 가지 중요하고도 복잡한 문제들을 야기한다. 스티븐스는 랩이 일종의 흑인 분리주의를 옹호하기보다는 인종간의 대화의 형식을 창조한다고 주장하고, 백인들과 라틴계 주민들이 랩과 같은 유형들과 관계를 맺었기 때문에 새로운 언어들과 다 문화주의 형식에 창조가 있어 왔다는 것이다. 음악은 인종에 따라 고유한 것으로 간주될 수 없다는 주장이며, 랩은 일종의 초국가적 혹은 초문화적 유형으로 간주한다.

예체능| 2009.04.26| 6페이지| 1,500원| 조회(454)

음악, 대중음악, 레게, Ska Reggae Rap

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대중음악의 이해(블루스앤소울)

제7강 Blues ? Soul ? Ragtime학습목표○ 블루스와 소울 두 형식의 진보에 관한 중요한 사회적 특징을 이해한다.○ 블루스의 구조 및 실제코드의 변환을 할 수 있다.목차??Ⅹ?Ⅸ. Blues0. 블루스의 의미1. 다섯가지 R&B2. 음악적 특징3. 블루스의 구조4. 실제 코드의 변환5. Blue - NoteⅠ. Soul0. 소울의 음악적 표현1. 소울 뮤직의 대가들2. 맺는 말Ⅱ. Ragtime??Ⅹ?Ⅸ. Blues0. 블루스의 의미블루스는 세속 음악으로서 부분적으로 재즈 역사와 관계를 갖는 20세기의 '아프로 아메리칸 (Afro-American)' 뮤직이다. 블루스를 하나의 독립된 장르로서, 블루스의 고유한 음악적 의미를 살펴볼 때, 가장 중요한 것은 마음의 상태를 나타내는 용어라는 점이다.16세기경에 우울하고 의기소침한 정신 상태를 표현한 '블루 데블스(Blue Devils)'라는 용어가 생겼다. 그러나 '블루스'가 구체적인 음악적 의미로서 미국 대중음악에서 쓰이게 된 것은 남북전쟁 이후이며, 1900년까지만 해도 흑인들이 노래할 때 우울한 정신 상태를 표현한 용어로서 널리 쓰이지 않았다.음악으로서 블루스의 역사와 밀접하게 연결되어 있는 두 가지 의미가 있다.(0) 울적함을 달래기 위해서 '블루스를 연주한다(play the blues)'는 의미이다. 이것은 블루스 가수와 연주인들에게 매우 중요한 것으로 '우울한 감정'을 담지 않을 경우 진정한 음악을 연주할 수 없다는 것이다.(1) 블루스가 표현 행위의 한 방식이라는 것이다. 여러 형태의 예술에 있어서 블루스는 그 미학의 본질인 것을 무대에서 블루스 느낌을 표현하지 않는(혹은 못하는)가수나 연주가는 '블루스맨(bluesman)'이 아닌 것이다.절규하는 듯한 보컬 테크닉은 블루스의 감각을 내는 분위기와 관련 있으며, 슬프고 애처로운 소리를 만들어내는 반음이나 감추어진 듯한 소리 등은 블루스의 음악적 표현 언어 중의 일부라 할 수 있다.블루스 양식의 표현 행위는 모방할 수 있으나 대표적인 인물들이 주장하는 것처럼, 블루스의 '감각(Feeling)'은 모방할 수 없다는 것이다.1. 다섯가지 R&B질렛(Gillett)에 의하면 제2차 세계대전이 끝난 뒤에 나타난 다섯 가지 R&B 형식들이 있었다.(0) 댄스홀 블루스(1) 클럽 블루스(2) 술집 블루스(3) 복 음 성 가(4) 그룹사운드의 노래위 형식은 다양성을 보여 주며, 이것은 상이한 음악형식의 다양성과 이들 형식들과 특별한 사회적 맥락의 연관성을 포함하며, 블루스 혹은 R&B에는 수많은 음악적 특징들이 있다.(0) R&B의 모든 형식들은 댄스 리듬을 지니고 있으나, 당시의 다섯 가지의 R&B는 댄스음악이 아니었기 때문에 곡 전체에서 특정한 박자를 지킬 필요가 없었던 전후 재즈 음악 형식과 구별된다.(1) R&B의 독주가들은 보통 이기적 이어서 밴드의 나머지 사람들이 감정을 토로하고 머리를 흔드는 동안 박자와 음량을 유지함으로서 자기감정을 표현하는데 관심이 많았다.(2) 블루스 연주자들의 담당 영역에 대한 특성을 나누는 행위를 수반했다.2. 음악적 특징블루스는 완전히 흑인적 영감으로 가득 차 있다. 12마디 3소절을 기본으로 1도, 4도, 5도의 간단한 코드 패턴을 반복하는 것이 기본 구성인 블루스는 매우 단순하고 소박하다. 그런데 이 단순한 형식과 진행이 모든 재즈 음악가들이 사랑하는 기본 틀이 된다. 또한 소리 자체에 접근해 들어가는 블루스적인 방식도 재즈의 근본을 이룬다.클래식에서처럼 정확한 음정의 평균율 음을 내는 것이 아니라 마치 우리나라의 창처럼 질질 끌거나 미분화된 음을 보다 밀도 있게 내는 것이 중요하다. 그리하여 악기 자체의 목소리처럼 유창한 흐름을 간직하게 되는 것이다.3. 블루스의 구조[1] - [1] - [1] - [1] - [4] - [4] - [1] - [1] - [5] - [5] - [1] - [1]Ⅰ - Ⅰ - Ⅰ - Ⅰ - Ⅳ - Ⅳ - Ⅰ - Ⅰ - Ⅴ - Ⅴ - Ⅰ - Ⅰ의 형식과 기본적인 진행 방식을 따른다. Ⅰ은 으뜸화음(tonic chord), Ⅳ은 버금딸림화음(subdominant chord), Ⅴ은 딸림화음(dominant chord), 의 하나의 숫자는 일반적인 4/4박자 한 마디가 지닌 화성적 화음을 의미한다.일반적으로 Blues는 12마디로 이루어지며 따라서 저서들을 보면 12-Bar- Blues라 부르는 경우가 많다.그 각각의 화성적 진행은 위와 같다. 1도 화음 4마디, 4도 화음 2마디, 다시 1도 화음 2마디, 그리고는 5도 화음 2마디를 거쳐 다시기본인 1도 화음 2마디를 끝으로 한 구조를 마치게 되어 있다.4. 실제 코드의 변환C-C-C-C-F-F-C-C-G-G-C-CA-A-A-A-D-D-A-A-E-E-A-A예외가 있기는 하지만 거의 대다수가 이렇게 이루어져 있으며 즉, 이런 형식 구조를 지니고 있는 음악을 대중음악에서는 "Blues 형식의 음악" 이라 표현하는 것이 가장 올바른 것이 된다. 즉, 노예에서 출발하여 미 대륙에 뿌리를 내린 Afro -American들이 그들 자신의 음악, Spiritual과 Gospel 등을 통해, 음악을 만들어 내고 연주하는 하나의 문법을 체득한 것이다. 따라서 이들의 음악들은 Bluse형식으로 이루어져 있었다는 것이 중론이다. 이는 Jazz나 Rock에 있어서도 마찬가지이다.초기 Jazz의 거의 모든 곡들은 바로 Blues 형식으로 이루어져 있었으며, Rock이 처음 만들어졌을 때에도 이 Blues형식으로 음을 만들고 그 위에 백인들의 정서를 얹어 놓은 것이라고 할 수 있다.문제> F조을 중심으로 실제코드로 변환해 보세요.5. Blue - Note블루스의 ‘거친’음조는 머디 워터스의 뒤를 이은 로버트팔머(Robert Palmer)가 ‘딥 블루스’(deep blues)라 불리는 장르에서 분명하게 나타나는데, 이 장르들을 델타(Delta) 지방에서 시작되었다.딥 블루스는 ‘블루스 5음계’(blues pentatonic)에 기초하고 있으며. 아프리카에서 이주해 온 흑인들의 전통 음계는 서양의 7음계가 아니라 우리 음악과 비슷한 5음계의 느낌이다.흑인들의 전통 음계는 3도와 7도가 없으며, '도-레-파-솔-라' 만으로 이루어져 있었다. 이 5음으로 7음계에만 있는 두 음(미(3도)와 시(7도))을 흉내 내려다가, '미'는 '레'를 반음 끌어올려서 '미 플랫(Eb)'이 되었고 '시'는 '라'를 반음 올려서 '시 플랫(Bb)'이 되었다. 이 두 개의 미묘한 음정(여기에 때로는 플랫 5도(F#)를 포함시키기도 하며 bebop 재즈에서 사용됨)이 바로 우리가 말하는 'Blue note'라는 것이다.'Blue note'를 넣은 스케일은 장조임에도 불구하고 단조의 느낌이 함께 나게 되어 블루스만의 애잔한 느낌을 만드는 열쇠가 된다.Ⅰ. Soul질렛이 위에서 논한 네 번째 복음성가와 다섯 번째 그룹사운드의노래 유형들은 1960년대 소울 발전에 기여했다. 거럴닉에 따르면 소울의 역사는 대개 리듬앤부르스의 세속적인 세계에 복음성가를 소개한 것으로 간주될 수 있다. 소울이 실제 지리적인 것을 따지지 않지만, 그 정의만을 본다면 남부적이라고 보며 테네시의 멤피스, 조지아의 마콘, 엘라배마의 머슬숄즈 같은 세 도시에 집중되어 있다.흑인 음악의 대표적인 표현이라고도 할 수 있는 소울 뮤직은 1960년대부터 급속히 전 세계 젊은이들의 마음을 사로잡기 시작하면서, 일반적으로 소울 이라는 말은 넓게 생각할 때 아프로 -아메리칸 문화의 모든 특징들을 적용하게 된다.R&B·가스펠 뮤직(Gospel music 미국에서 흑인 노예들은 19세기 초반에 흑인영가spiritual를 개신교 부흥에 맞게 바꾸어 부른곡 ) ·팝· 록· 재즈 ·모타운을 포함하는 여러 음악 장르들의 혼합 형태라고 볼 수 있다.0. 소울의 음악적 표현소울 뮤직은, 연주자의 강한 개인적 감정을 전달하는 것을 그 본질로 삼는다. 따라서 매우 극적이며 정열적인 성악·기악 연주가 그 특징이다. 뿐만 아니라 보컬에서의 한숨소리, 흐느끼는 듯한 소리, 외치는 소리와 같은 독특한 음색을 사용한다.리듬 앤드 블루스에서의 지배적인 가사의 내용이 사랑이나 인간관계를 표현했다면 소울 뮤직이 드러내려고 한 것은 사회의 비리, 흑인의 투쟁 정신, 종족적 긍지감, 저항 정신이다.따라서 음악도 리듬 앤 블루스보다 더 날카롭고 강하고 폭발적이며 흑인음악의 요소 무게 있는 가스펠을 더욱 강조하게 되었다.1. 소울 뮤직의 대가들1960년대와 1970년대에 활동했던 소울 뮤직의 대가들은 제임스브라운 · 아레사 프랭클린 · 레이 찰스, 니나 사이먼이며, 리듬 앤 블루스에서 소울로 넘어가는 시대에 활동했던 인물들 중에서는 윌슨 피켓과 제임스 브라운, 그리고 오티스 레딩이 단연 뛰어났다. 이들의 음악은 저마다 그 색깔은 달랐지만 이제까지의 리듬 앤 블루스와는 달리 좀더 흑인적이고 강하며 오랜 여운이 남는 음악을 지향했다는 점에서 소울의 개척자들로 불렸으며, 윌슨 피켓은 리듬 앤 블루스에서 소울로 가는 구체적인 변화를 가장 먼저 보여주었다.

예체능| 2009.04.22| 6페이지| 1,500원| 조회(963)

블루스, 소울뮤직, 대중음악 평론

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대중음악의 이해(흑인음악)

제6강 흑인음악학습목표○ 흑인음악의 특성과 개념을 이해한다.○ 재즈의 텍스트적 발달과 이 유형들의 사회적 맥락을 이해한다.목차??Ⅹ?Ⅸ. 겟토-뮤직(Ghetto Music)Ⅰ. 흑인음악의 잘못된 견해Ⅱ. 법적인 흑인의 정의Ⅲ. Tagg의 흑인성의 4가지 음악적 특성Ⅳ. 흑인음악의 근거를 제시하기 위한 다인종적 개념Ⅴ. 흑인 문화의 표현형식은 흑인성으로부터Ⅵ. 흑인음악의 정리Ⅶ. 재즈Ⅷ. 재즈의 시대적 분류Ⅸ. 재즈 스타일Ⅹ. 아프리카 음악??Ⅹ?Ⅸ. 겟토-뮤직흑인 음악이라는 개념은 종종 아프로(Appro) 아메리칸 음악과 동의어로 쓰이며 상호 교환하여 사용된다.모두 흑인 본질주의, 진정성을 둘러싼 감정적인 주장과도 연관된다. 우리가 쉽게 접할 수 있는 보편적이고 대중화된 음악장르 R&B. 소울, 휭크, 랩, 힙합등 주로 흑인들이 주도하는 음악들을 통틀어 겟토-뮤직(ghetto-music)이라고 한다.Ⅰ. 흑인음악의 잘못된 견해흑인음악의 개념이 흑인들이 연주한 음악이라는 식으로 무분별하게 사용되어 왔다. 이런 견해를 받아들이기에는 몇 가지 의심스러운 점이 있다.0. 비틀즈의 존 레논과 폴 매카트니의 노래를 부르는 흑인 음악가의 노래를 흑인음악으로 간주할 수 있는가 혹은 유럽의 고전음악 가운데 한 곡을 부르는 흑인 오페라 가수의 노래를 과연 흑인음악이라 할 수 있는가의 문제이다.1. 흑인음악이 실제로 어떻게 정의되고 인식된다는 점이다. 흑인음악에 대한 설명에는 근본적인 인종적 차이라는 상투적인 생각을 적용하는 것은 위험하다는 주장이 제기 되었다.이런 측면에서 흑인들은 음악 만들기나 춤추기에 있어서 선천적인 능력을 타 고난 것으로 보인다.Ⅱ. 법적인 흑인의 정의법적인 흑인의 정의는 짐 크로우 법에 계급에서 계급으로 분화된다. 앨라배마, 아칸소, 미시시피 주에서는 눈에 드러나거나 아니면 알아챌 수 있을 정도의 흑인 계통 은 흑인으로서 인종차별법의 적용을 받는다. 반면 인디애나와 루이지애나 주에서는 인종 혈통이 8분의 1이나, 16분의 1이 포함되어 있다면 흑인으로 인정된다. 분명히 개인의 지위와 법적 권리는 한 주에서 다른 주로 이주함으로써 바뀔 수 있다.Ⅲ. 태그(Tagg)의 흑인성의 4가지 음악적 특성0. 블루노트(bluenote Scale) 흑인음계1. 주고받기(call-and response techniques), 부르고 답하는 기법2. 당김음(syncopation), 절분음3. 즉흥연주’(improvisation)라는 음악적 특성들이 종종‘흑인성’을 정의하는데 사용된다고 주장한다.흑인음악은 아프리카계 미국음악 대 유럽음악 이라는 한 쌍의 대립 구도에 근거한다.0. 음악적인 면의 타당한 정의를 지니고 있지는 못하다.1. 이데올르기적 면의 인종에 대한 느낌과 행동, 우선해야할 계급의 문제를 인종이나 민족 문제로 바꿔 버리기 때문이다.태그는 흑인음악의 본질이란 없다고 주장하고 ’반 본질주의’적 입장을 취한다.Ⅳ. 흑인음악의 근거를 제시하기위한 다인종적 개념비평가들은 흑인 음악의 개념이 몇 가지 중요성을 가진다고 주장한다.흑인이 만든 흑인 음악의 저항 관계, 인종에 따른 불평등한 대우, 그들은 대중 음악에 대해 다인종적으로 설명할 것을 주장한다.해치와 밀워드의 설명에 따르면 대중음악은 항상 흑백 상호 작용에 의해 그들은 블루스, 소울, 랩 같은 형식의 발전에 있어서 상호 작용의 중요성을 보여 주며, 한 가지 음악 형식을 진정 흑인 음악이라고 생각함으로써 단순화시킬 필요는 없다고 주장한다.올리버는 그의 논문집인 “영국의 흑인음악”에서 다음과 같이 주장한다.흑인음악은 그것을 만든 사람들(창작자), 연주하는 사람들(뮤지션), 청중들에(청자들) 의해 인정되고 받아들여지는 음악이며, 그들 자신의 음악이 흑인적이라고 보는 사람들의 음악, 특정한 장르로 인정받을 만한 통일적 특징을 가진 음악을 포함한다.이는 이러한 흑인성이 어떻게 확인되며, 흑인 뮤지션이 어떻게 규정되고 인정 되는가, 흑인 아티스트에 의해 연주되는 백인 작곡가의 노래는 어떻게 위치되어야 하는지의 문제를 제기한다. 그러므로 대중음악 발전에 있어서 흑인과 백인의 스타일, 장르, 뮤지션 간의 흑백상호작용을 중요시하고 있다.Ⅴ. 흑인 문화의 표현형식은 흑인성으로부터정치적인 의미와 맥락은 흑인음악에 있어 몇 가지 중요한 상대주의적인 의견을 무시하는 경향이 있다. 거쉬인 작곡의 오페라 ‘포기와 베스(Porgy and Bess)’의 내용을 마야 안젤루 (Maya Angelou 1985)의 시각에서 살펴보면 다음과 같다.‘대중음악과 사회’ 213쪽 (테마13)의 내용 중에서 ‘연주 중간에 나는 완전한 녹초가 되었다. 나는 웃음과 울음, 기쁨과 슬픔이 교차했다. 두 번째의 무대에서는 아무런 감정이 생기지 않을 것으로 생각했다. 나는 음악이 내 몸을 통해 날아오르도록 무대 위에서 그녀와 함께 춤을 추고 싶었다. 그녀의 몸은 중력을 무시한 채 딱딱한 성질을 모두 버리고 부드럽게 떠다니는 것 같았다.’흑인 연주에서 즐거움에 대한 명확한 표현은 안젤루의 시각에서처럼 흑인 문화와 표현 형식이 ‘흑인성’으로부터 발전될 수 있음을 함축한다.Ⅵ. 흑인음악의 정리0. 흑인음악의 생물학적 요소에 기초하고 있다는 생각을 하기는 어렵다.1. 대중음악 형식의 발달에 있어서 흑인과 백인음악의 상호 작용이 결정적인 역할을 하였다.2. 대중음악에 대한 흑인의 기여를 과소평가해서는 안 된다.3. 흑인 음악의 개념이 흑인의 음악적 혹은 인종적 본질이 존재한다는 사실을 의미하는 것으로 이용해서는 안 된다.4. 흑인적인 형식들의 발달에 대한 사회학적 조사는 그 형식과 발달을 이끌었던 복잡한 사회적 맥락과 위치에 대한 조사를 요구한다.5. 흑인적인 형식들의 정치적인 의미와 역할에 대해 생각한다. 흑인 음악이라는 명칭의 중요성을 거듭 주장하게 한다.가장 설득력 있는 것은 폴 길로이(Paul Gilroy,1993)의 주장이다.길로이는 흑인 음악에 대한 이야기들이 정치적인 중요성에 있다고 보고, 흑인 표현주의 문화의 반자본주의적 양상을 뚜렷이 나타내는 세 가지 핵심 주제가 있다고 주장한다.0. 생산주의에 대한 비판문제,1. 법과 지배의 분리에 대한 비판,2. 역사와 역사적 과정의 중요성에 대한 열정적인 믿음,비록 길로이가 ‘부르고 대답하는’(call and response) 체계를 흑인 음악을 구성하는 틀로 간주했을 지라도 그러한 흑인 문화는 사회적 관습과 사회적 정의에 기초한다.흑인 문화와 흑인 음악의 범주에 대한 인식은 사회적이고 정치적인 문제들과 직접적인 연관이 있다. 이러한 문제들과 흑인 음악의 문화적 가치와 출처에 관한 사항들을 조사하기 위해 미국의 블루스와 소울의 발달과 의미, 자마이카의 스카와 레게의 부상, 랩과 힙합 문화가 담고 있는 의미를 살펴보아야 할 것이다. 이것은 모더니즘과 포스트모더니즘에 관한 논의로 연관된다.Ⅶ. 재즈0. 흑인 음악의 관념들을 이해하기 위한 좋은 출발점은 마셜 스턴(marshall stearns)의 재즈에 대한 정의인데, 재즈는 1920년대와 1930년대의 흑인 음악이 팝에 가한 충격의 원천이다. 재즈란, 커뮤니케이션의 직접성(immediacy), 인간 목소리의 자유로운 사용, 그리고 복잡하게 흐르는 리듬의 표현적 성격 즉 복 리듬( polyrhythm)으로 구별되는 거의 반쯤은 즉흥적인 미국 음악이다.1. 미국남부의 문화적 중심지였던 뉴올리언즈, 프랑스인과 흑인간의 혼혈인 크레올, 홍등가, 스톨리빌이 재즈 탄생의 기원이 된다.2. 재즈를 듣는 사람들이 '그루브'(Groove)라는 말이나 '스윙(swing)감'이라는 말을 하는 것을 자주 들을 수가 있는데, 그것은 말로 잘 표현할 수 없는, 오직 한순간 몸만이 느낄 수 있는 절묘한 리듬감이나 어울림을 말한다. 재즈 연주자들이라면 거의 누구나 일발의 '즉흥연주'(Improvisation)에 목숨을 걸기도 한다.Ⅷ. 재즈의 시대적 분류0. ragtime jazz (초기)1. new orleans jazz (1900 - 25)2. chicago, kansas city jazz (1930 - 1940)3. swing jazz (1930 - 45)4. bebop jazz(1940 - 1955)5. cool jazz (1950 - 1960)6. free jazz (1960 - 이후)7. fusion jazz (1970 -)위 재즈의 뜻과 의미를 살펴보세요.Ⅸ. 재즈의 스타일0. 재즈는 미국 안에서 유럽인과 서아프리카 인의 음악적 전통들이 300년 동안 융합하여 이루어진 결과이다. 그리고 재즈의 지배적인 요소들은 유럽식 화음, 유럽계 아프리카 인의 멜로디, 아프리카인의 리듬이다. 의사소통의 직접성으로부터 시작해서 이러한 정의의 각각의 요소들을 보면, 흑인 음악은 작곡 음악이라기보다는 차라리 연주 음악이다.

예체능| 2009.04.22| 7페이지| 1,500원| 조회(858)

흑인음악, 대중음악평론, 대중음악의이해

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대중음악의 이해(펑크의 유연성과 마돈나현상)

제5강 punk의 유연성과 마돈나 현상학습목표○ 특수한 의미에서의 록의 정치성을 이해한다.○ 젠더, 섹슈엘러티, 대중음악 사이의 상호연관성을 이해한다.○ 여러 가지 주장을 통해본 마돈나 현상을 이해한다.목차??Ⅹ?Ⅸ. 1960년대와 1970년대의 록과 대중음악Ⅰ. 헤비메탈Ⅱ. 펑크의 유연성Ⅲ. 1980년대와 1990년대의 록과 대중음악Ⅳ. 대중음악과 포스트모던니즘Ⅴ. 대중음악과 정치Ⅵ. 록, 젠더, 섹슈엘러티Ⅶ. 마돈나 : 대중음악, 정치, 젠더, 섹슈엘러티??Ⅹ?Ⅸ. 1960년대와 1970년대의 록과 대중음악0. 록은 로큰롤에서 발전한 수많은 다양한 스타일에 붙는 광범위한 명칭이다. 록은 종종 팝보다 더 비중 있고, 순수성, 신실성, 진정성을 내포한다.1. 록과 대중음악의 발달에 관한 일반적인 설명은 1950년대 후반에서 1963년까지의 평온한 시기에 다루어지고 있으며, 이 시기의 미국과 영국의 록은 표준화된 음악 산업 상품들에 의해 대체되었다.2. 1963년의 비틀즈의 등장으로 대중음악의 커다란 변화가 일어났으며 부분적으로 표준화된 형식을 지니고 있으며, 하나의 흥행 사업으로 포장 되었지만, 흑인 음악 형식을 자신의 것으로 소화해 냄으로써 1960년대 대중음악 발전의 길을 열었다. 그들은 부분적으로 흑인 소울 형식에 록앤롤 적인 요소를 가미하는 식으로 여러 가지 형식을 함께 차용한 것은 중요한 의미를 지니며, 비틀즈는 척베리의 록큰롤과 당시의 대중적인 음악 형식들을 연결하는 교량 역할을 하였다.3. 비틀즈는 1960년대 록 발달의 지평을 열었다. 영국에서는 실용화된 블루스를 기반으로 음악들이 만들어졌고 미국 흑인 음악의 형식을 계속 받아들여 발전시켰으며, 비틀즈는 여러 장르의 시도를 통해 무한한 독창성을 보여 주었다.4. 록 음악은 상당히 많은 판매량을 기록했고 록과 관계된 프로듀서들과 록을 아는 청취자들은 그 시대에 일어나고 있던 문제들 가운데 가장 중요한 사실을 알고 있고 믿을 만한 예술적 감각을 지니고 있는 것으로 받아들여졌다.5. 록 팝은 청취자들의 유형이 주로 뉴욕과 LA에 국한 되었던 포크록과 샌프랜시스코 사운드 그리고 미발달된 상태의 동부해안 음악으로 벨벳 언더그라운드(Velvet Underground는 히피의 극성기에 비트족의 본질을 그대로 유지하면서 그것을 록으로 표현한 그룹)가 중심이 되었다. 이 시기에 록은 다양한 형식의 음악 세계로 들어가도록 청취자를 이끌었다.1960년대 후반과 1970년대 초반에는 진지하지만 다소 분명한 뿌리를 지닌 록과 상업적인 대중음악사이에 새로운 분리가 선명하게 드러났다.Ⅰ. 헤비메탈0. 1960년대 후반과 1970년대 초에 블랙 사바스(Black Sabbath), 딥 퍼플(Deep Purple), 레드 제플린(Led Zeppelin)의 작업으로 헤비메탈(Heavy Metal)장르가 나타났다.1. 헤비메탈의 음악적 범위는 대개 관습적인 록 음악 보다 더 크고, 강하고 템포가 빠르며 여전히 기타 중심적이다. 주요 악기는 전기 기타(리드, 베이스기타), 드럼, 전자키보드지만 기본 틀 내에 많은 변형이 존재한다. 헤비메탈의 몇 몇 형식은 엄청난 상업적 성공을 거두었으며 많은팬을 확보하고 있다.2. 헤비메탈은 종종 대중음악이 최악의 무절제함을 포함한다고 하여 비판받기도 한다. 이는 주로 자기도취자와 성차별주의자들의 주장으로 음악적으로도 자주 무시되고 있다.3. 록 비평가 가운데 한 사람인 레스터뱅스는 헤비메탈은 소음의 다발에 불과하며, 그것은 음악이 아니라 왜곡의 표현이라고 말한다. 그러나 헤비메탈 지지자들은 바로 이 점에서 매력을 느끼고 모든 현대 록 가운데 폭력, 공격성, 약탈, 학살 등과 가장 밀접하게 연관되는 것이 바로 이 장르이며 테크놀리지의 허무주의를 표현한 것이라고 말하고 있다.4. 헤비메탈은 1980년대에 대중음악을 당국이 검열하려는 움직임의 주요 표적 가운데 하나였다.와인스타인의 "포괄적인 사회학적 연구"(Weinstein, 1991)와 왈저의 "좀더 음악적으로 기초를 둔 연구"(Walser, 1993)가 발간되기 전까지, 헤비메탈을 진지하게 논의하려는 시도는 거의 없었다. 헤비메탈은 비평가의 조소와 부정적인 대중적 이미지에도 불구하고, 1990년대에도 높은 시장 점유율을 유지하고 있다.Ⅱ. 펑크의 유연성0. 프리스와 혼은 가수들이 예술과 대중음악, 록이 뒤엉켜서 펑크 록이 만들어진 1970년대 중반에서 후반까지의 영국과 미국에서 음악 장르의 발달에 영향을 끼쳤다.1. 미국 펑크의 시작은 동부 해안 록 예술 공동 작업의 형식으로 거슬러 올라가며 그 음악의 가장 분명한 예로는 Velvet Underground를 들 수 있다. 1970년대 중반에 글리티 록(glitter rock 은 glam rock 같은 의미이며 사운드, 의상, 스타일, 화장등 인공적이고 가식적인 특징을 갖는다)이라는 이름으로 서로 다른 성격의 예술가들의 연합한 것 같이 록과 대중음악 분리를 가속화 시킨 가교 역할을 한 형식들이 있었다. 데이빗 보위(David Bowie영국 글램록의 선구자)와 록시 뮤직(Roxy Muxic)과 같은 록 가수들이 다양한 방법으로 록과 대중음악의 분리를 공고히 했다.2. 대중음악과 록 사이에 장벽 붕괴는 예술, 대중음악, 록이 뒤엉켜서 펑크록을, 미국적이고 영국적인 펑크는 여러 장르들이 한데 뒤엉켜서 상호작용 하고 있는 것으로 보고 있으며, 펑크록에 대한 원형과 소유에 대한 무의미한 논쟁을 하는 것은 무익하다.3. 글리터 록과 대중적인 록(Pub rock) 운동에 영향을 받은 공동 작업들이 결합하여 1976년과 1977년에 펑크와 뉴 웨이브(new wave) 음악이 만들어졌다. 1970년대를 거쳐 오면서 록 스타들이 부유해지고 청중들과 분리되면서 부패되었다고 간주되는 록의 가치들을 공격하였다.4. 펑크는 1976년에서 1979년까지 영국에서 유행하는 록의 사조이기도한데, 반항정신과 정치성이 강조된 장르로서 단순한 사운드와 기존 문화를 거부하는 반항적인 이미지로 헤비메탈과 얼터너티브록의 형성에 영향을 주었다. 펑크 밴드는 라이브 쇼를 통해 정체성을 확립하고 명성을 쌓았다. 펑크는 가사의 의미보다는 사운드(목소리와 악기)를 강조한다.5. 펑크 록은 프로그레시브록(아트록이라 하며 예술음악과 록이 합쳐진 것으로 사이키델릭록의 연장선상에 있다)과 관련된 전자 악기의 사용을 피하고, 긴장감 있는 기타와 드럼을 악기 편성으로 한다. 리듬에 대한 펑크는 다른 대중음악 장르와의 감각적인 면에서 다르다. 펑크는 리듬패턴에서 싱코페이션(당김음)을 드러내지 않는 경향이 있다. 펑크 음악이 댄스에 맞지 않는 주요한 이유가 바로 이것이다. 주요 뮤지션으로는 섹스 피스톨스(Sex Pistols), 클래시(Clash), 댐드(Damned), 스트랭글러스(Stranglers) 등이 있다.6. 펑크가 대중음악도 록도 아닌 그 둘이 통합된 것을 만들어 내려고 레게(reggae) 음악의 일종인 자메이칸 같은 흑인 음악 형식들을 도입하려고 시도했다는 것이다. 기본적으로 펑크는 사회 비판적 앨범을 제작하여 관심을 끌고자 하는 록 밴드들과 상위 20안에드는 판촉 전략을 구사하는 대중음악 그룹들의 방식을 반대했다.Ⅲ. 1980년대와 1990년대의 록과 대중음악펑크 음악의 시기는 하나의 분기점으로 볼 수 있다.0. 펑크는 독립적이고 짧은 3분 정도의 곡으로 초기 록큰롤의 정신을 회복하려는 시도이다.1. 펑크는 1970년대의 점차 분리되었던 대중음악과 록형식을 재통합하려는 시도를 보여준다. 영국에서는 1980년대 초반에는 Two Tone운동을 통해 펑크와 레게가 통합되었고, 1960년대의 자메이카 스카(Ska)가 펑크의 틀을 지니고 새롭게 갱신되었다. 신 낭만파로 불리는 그룹들에 의해 새로운 대중음악이 발전하였다. 빅 컨트리(Big Country), U2와 같은 새로운 록 밴드들이 나타났다.헤비메탈은 펑크 시기의 후반에 영국에서 그리고 1980년대에 미국에서 헤비메탈 밴드라는 새로운 흐름을 확고히 다지게 되었다.Ⅳ. 대중음악과 포스트모던니즘포스트모더니즘은 모더니즘 보다 더 자유로운 대중문화의 형식을 사용한다.포스트모더니즘은 이제 문화적 지배자가 되었고 대중음악에 영향을 주었다. 전통적인 음악의 역사가 힙합과 주절대는 음악 형식에 의해 파괴된 것은 포스트모던이즘의 영향이라고 볼 수 있다. 이와 관련하여 비평가들이 포스트모더니즘 형식으로 간주한 현대 뮤직 비디오는 음악과 이미지를 상호 연관시켜서 제작되었다.포스트모더니즘의 시기에 중요하게 고려 할 점은 1980년대와 1990년대에 대중음악과 록 사이의 외간 상 분열과 상호 연관성이 증가하는 것은 포스트모던니즘의 예이다. 포스트모더니즘 같이 다양한 문화적이고 사회적인 영역에서 나타난 다른 발전 상황과 연결될 수 있음을 의미한다. 포스트모더니즘에 대한 논쟁은 종종 정치적인 문제를 제기한다.Ⅴ. 대중음악과 정치대중음악은 많은 다양한 영역에서 중요한 사회적 힘으로 간주되어 왔다. 대중음악과 정치의 연관성을 두 가지 서로 다른 관점에서 조사하였다.0. 대중음악과 록은 광범위하게 볼 때 정해진 가치들에 저항한다.1. 정당, 정부, 국가 등과 같이 전통적인 사항들을 중심으로 볼 때 록과 정치는 상호 연관성이 있다. 록은 미국적이고 영국적인 삶의 지루함으로부터의 해방, 자기표현의 새로운 가능성을 열었으며, 록의 활기가 넘치는 것을 당국은 좋아하지 않았다. 1960년대에 록을 반대하는 사람들은 저항음악, 운동, 언더그라운드로 생각했다.

예체능| 2009.04.22| 6페이지| 1,500원| 조회(402)

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대중음악의 이해(락앤롤)

제4강 역사, 정치, 섹슈엘러티학습목표○ 다양한 정치, 경제적인 맥락에서 광범위한 의미를 부여하는 록의 최근 발전 상황을 이해한다.○ 대중음악과 정치적 행위 사이의 상관관계에 대하여 이해한다.○ 대중음악에 있어서 성(性)과 섹슈엘러티의 사회적 의미를 이해한다.목차??Ⅹ?Ⅸ. 로큰롤의 발달Ⅰ. 로큰롤의 다섯 가지 양식Ⅱ. 초기 로큰롤Ⅲ. 피터슨의 로큰롤 발달에 관한 평가Ⅳ. 피터슨의 미국 록 발달의 사회학적 설명Ⅴ. 록의 음악적 구성Ⅵ. 초기 미국의 록큰롤Ⅶ. 초기 영국의 록큰롤??Ⅹ?Ⅸ. 로큰롤의 발달0. 로큰롤의 발달미틀튼은 문화적, 음악적 변화라는 광범위한 역사적 상황 하에 록큰롤 발 달에 세 가지 국면이 있다고 말한다.(0) 18세기 후반에서 19세기 중반까지 영국에 나타난 부르주아 혁명기이다. 이 기간동안 음악 산업은 자본주의 부르주아들의 상업주의에 지배되었으며 음악의 분류와 대부분의 음악적인 생산은 상업적 음악을 발표하는 사람들, 콘서트 기획자들, 판촉가들, 연극과 대중음악 공연장의 매니저들에 의해 결정되었으며 중개되었다.(1) 이 변화의 시기는 독점 자본주의가 만들어 낸 새로운 형태의 대중문화가 1890년대에 시작되었다. 거대 기업들은 더욱 중요한 위치를 차지하는데, 재즈 음악의 일종인 랙타임(ragtime)과, 재즈 음악과 같은 미국적 형식들은 더욱 인기를 얻었고 자국 음악의 빛을 잃게 할 정도가 되었다.(2) 제2차 세계대전 뒤에 나타난 세 번째 변화의 시기를 특히 로큰롤부터 다루기 시작했는데, 이 시기가 바로 대중문화 시기였다고 주장한다. 법인조직, 지역조직, 전기를 이용하는 기계의 기술적인 변화, 노동자계급의 젊은이들은 음악창조에 있어서 중요한 원동력이 되었다.1. 질렛이 구분한 록의 발달 시기(0) 1958년까지 로큰놀(rock’n’roll)(1) 1958- 1964 록앤놀(rock and roll)(2) 1964년부터 록(rock)으로 지칭이 시기에 따른 구분과 명칭은 이후 부드러운 형태를 취한 록앤롤 (rock and roll)보다, 로큰롤(rock’n’roll)을 거친 것으로 평가하는 질렛의 비판적인 가치 판단을 반영한다.2. 록의 이데올로기적 영향(0) 흑인음악 (Negro music)(1) 컨트리음악(Country Music)(2) 포크 음악(Fork Music)(3) 대중음악 팝(pop)형식Ⅰ. 로큰롤의 다섯 가지 양식0. 북부의 밴드 로큰롤1. 뉴올리언즈 댄스 블루스2. 맴피스 컨트리 록(로케빌리, rock a billy라는 용어는 문자 그대로 록rock과 힐빌리hillbilly의 합성어)3. 시카고 리듬 앤 블루스4. 보컬 그룹 로큰롤Ⅱ. 초기 로큰롤0. 초창기의 록 음악은 춤에서 비롯된 격렬한 리듬, 단순한 선율과 화성 이었으며 사랑, 스트레스, 자동차 같은 청중들의 관심사에 부합하는 가사에 바탕을 둔 본질적으로 단순한 양식이었다.1. 그러나 성숙기에 접어들면서 록 음악은 보다 복합적인 양상을 보여 주게 되었고 재능 있는 록 음악가들은 클래식 음악 비평가들의 관심을 끌었다.2. 1955-1956년 척 배리, 빌 할리, 앨비스 프레슬리 등이 부른 록은 전통적인 리듬 앤 블루스에 템포를 빠르게 변형시켜 정서적인 긴장감과 열정을 표현했다. 이것은 매우 감각적이고 율동적이며 음악적 풍요를 누리는 당시 10대 청중들에 호응을 얻었다.3. 초기 로큰롤의 중심인물인 앨비스 프레슬리는 멤피스 컨트리 록에 참가해서 창조적인 역할을 수행하였다.4. 영국에서는 록의 발전이 더디었으나, 영국의 토박이 가수들이 새롭게 록의 발전을 주도하면서 록의 초창기의 신선함과 순수한 감흥을 간직했다는 평을 받을 수 있었다.5. 새로운 연주자들 가운데 음악적 재능이 두드려졌던 비틀즈는 급속하게 성장해 대중음악을 진정한 창조의 영역으로 이끌어갔다. 그의 음악은 1950년대 중반의 록에 뿌리를 두고 있지만 복합적이고 의미 있는 가사와 선율을 만드는 비법한 재능을 지니고 있었다. 동시대의 밥 딜런 등 미국 연주자들은 전통적인 발라드와 버스(verse)형식을 록의 리듬과 새로운 악기 편성에 접합시킨 포크 록(fork rock)을 발전시켰다.6. 그 후 롤링 스턴스, 더 도어즈 등의 그룹들은 상상력이 넘치는 가사와 전대미문의 연주 기교를 결합하였다. 지미 헨드릭스와 같은 기타 연주자들은 전통적인 리듬 앤 블루스의 주제를 이국적으로 장식하여 많은 추종자 들을 얻었다.Ⅲ. 피터슨의 로큰롤 발달에 관한 평가피터슨은“왜1955년인가? 라고 묻는다. 그것은 1954년에서 1956년 사이에 미국 대중음악의 성격에 왜 근본적인 변화가 생겨나게 되었는가에 대한 의문이다.0. 앨비스 프레슬리와 같은 특별한 창조적인 인물들의 역할이다.1. 대중음악을 바라보는 청취자의 성격이 변했다는 것인데, 이것은 그들이 제2차 세계대전 이후에 출생했기 때문이다.2. 미디어 산업 자체의 변화이다.Ⅳ. 피터슨의 미국 록 발달의 사회학적 설명0. 피터슨은 미국 록 발달의 사회학적 맥락에서 명확한 설명을 제시했다.(0) 록이 시대적인 상황에 따라 발달하게 되었는지 아니면 특정한 시기에 저절로 등장하게 되었는지에 관해 명확하게 설명하지 않는다.(1) 미국에서 나타난 변화에 초점을 맞추었으며, 그의 설명은 영국과 같은 다른 나라에서 일어난 록의 발달을 설명하는데 도움이 되지 못했다.1. 영국의 록의 발달에 브래들리(1992)가 '로큰롤에 관한 복합적인 설명'으로 록의 역사와 의미에 있어서 설명한다.(0) 많은 설명들이 "흑인 음악 양식에 좋은 반응을 보이는 백인 아이들의 현상을 이해하고 설명하는 문제" 을 무시한다.(1) 록그룹의 발전 현상을 무시하는 경향이 있다. 브래들리는 음악가들이 작은 그룹을 이루어 함께 공연하는 것은 1950년대에 시작된 백인 음악의 새로운 출발이라고 주장한다.(2) 로큰롤의 "남성성"을 무시하거나 비하하는 많은 통상적인 설명은 성적 무지에서 비롯되었다.(3) 록에 관한 설명들은 1950년대에 이루어진 지역적인 기반의 대중음악 제작의 발달과 록 음악 생산의 아마추어적 성격에는 충분한 관심을 기울이지 않았다.2. 이런 비판들의 양상은 록과 팝에 대한 몇 가지 작업으로 다루어졌는데.(0) 비평가들과 시사 해설가들은 대중음악을 특정한 텍스트적 유형으로 평가한다. 로큰롤의 나쁜 이미지를 제거한 록앤롤을 사용하여 하나의 특수형식으로 인정한다. 로큰롤은 어떤 점에서 자유와 표현을 나타내고 록앤롤은 강압과 조작을 나타낸다.(1) 성(性)과 섹슈엘러티의 상호 연관성의 문제이다. 대중음악에서 여성성은 남성 작가들에 의해 은근히 문제 있는 것으로 그려졌다. 록은 남성적이라는 사실을 지적한다. 이와 관련하여 대중음악은 젊은 여성들을 대상으로 하기 때문에 종종 미숙한 혹은 하찮은 것으로 인식되어 왔다.Ⅴ. 록의 음악적 구성현재의 록 음악은 여러 가지 다양한 악기들을 사용하지만, 그 기본 구성은 한 사람 이상의 가수, 전기기타, 베이스기타, 리듬기타, 리드기타를 포함하여 드럼으로 이루어진다.그밖에 사용될 수 있는 악기로는 전자 피아노, 전자오르간, 신시사이저, 호른, 목관악기 및 소형타악기도 사용된다.몇 년 동안 록 음악은 거칠고 폭발적인 힘과 강렬한 사운드의 정서보다는 폭넓은 청중들에게 수용될 수 있는 음악을 만들고, 음반회사들의 노력으로 점차 순화 되었다.록은 기타의 우월성, 탄력 있는 비트, 저항성, 간단한 멜로디와 코드의 단순함, 가사는 주로 10대들의 일상생활을 소개했다.0. 4비트의 리듬과 8비트의 감각, 연주에 있어서 요동치는 리듬이 사용된다.1. 연주와 노래는 거칠게 절규하듯 하며, 노골적인 섹슈엘러티는 록을 완성시킨 초석이 되었고, 프로그래시브록, 펑크록, 헤비메탈, 컨트리록, 얼터너티브록등 많은 하위 장르와 변종들을 낳게 되었다.

예체능| 2009.04.22| 5페이지| 1,500원| 조회(697)

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