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20세기 작곡가 연구- 안톤 베베른 (Anton von Webern)

20세기 작곡가 연구안톤 폰 베베른 (Anton von Webern) 1883-1945Ⅰ. 안톤 베베른의 생애와 작품 경향베베른은 20세기 전반의 가장 중요한 작곡가의 한 사람이다. 그는 1883년 12월 3일 빈에서 출생하여 1945년 9월 15일 미터질에서 사망했다. 쇤베르크의 문하생으로서, 쇤베르크, 베르그와 함께 제 2차 빈 악파, 또는 쇤베르크 악파의 중심 인물이다. 미지의 음악세계를 개척한 독자적인 작풍은 제 2차 세계대전 후에 일반에게 알려지게 되었으며, 또한 20세기 후반의 작곡계에 큰 영향을 주고 있다.그의 생애는 비극적인 최후를 제외하고는 평탄하고 조용했다. 1883년 12월 3일 광산기사의 둘째 아들로 빈에서 태어난 그는, 빈 대학 철학과에 들어가 귀도 아들러의 지도를 받으며 음악학을 배우고, 르네상스의 작곡가인 하인리히 이자크의 ≪코랄리스 콘스탄티누스≫ 에 관한 논문으로 학위를 받았다.그 뒤, 1904년 베를린의 한스 피츠너 밑에서 공부하려고 했으나, 그 곳의 정신적 풍토가 그에게 맞지 않아 얼마 뒤 빈에 되돌아 왔는데, 거기에서 쇤베르크를 알게 되어, 베르그 등과 함께 그의 제자가 되었다. 쇤베르크 밑에서의 수업은 1908년까지 계속되었으며, 바로 이때에 쇤베르크는 조성의 한계를 뛰어넘고 있었다. 베베른도 대략 이 무렵에 op.3과 4의 가곡집을 완성하여 초기의 독자적 무조 작풍을 확립하였다. 이 무렵에 빈 단찌히 프라하 등의 극장에서 연습 지휘자 및 악장으로서의 활동이 시작된다. 1911년에는 극장지휘자의 생활을 청산하고, 한동안 쇤베르크가 살고 있었던 베를린으로 옮겼지만, 1913년에 다시 시테틴에서 극장과 계약하였다.그러나 제 1차 세계대전과 함께 그는 지원1병이 되었다. 1917년 빈에 돌아와 뫼들링크에 거처를 정하고, 개인교수로서 있다가 그 이듬해부터 쇤베르크가 창설한 개인연주협회의 협력자가 되었다. 그 뒤 그의 생활은 본질적으로 작곡에 주력하는 것이었으나, 한편 빈의 노동자 오케스트라 및, 노동자 합창단의 지도자로서 오스트리아 전환한다. 작풍은 세월과 더불어 내적으로 날카롭고 무서울 정도로 맑다. (피아노 변주곡 op.27(1936), 현악4중주 곡 op.28(1938), 오케스트라의 변주곡 op.30(1940) 등 ) 인간이 가진 창조정신의 한계의 경지를 보여주고 있으며, 만년의 3개의 칸타타(op.26(1935) op.29(1939)op.31(1943))에서는 그의 작풍이 다시금 자유롭게 전개되어, 인간성에 뿌리박은 종교성을 보여준다.그는 Schoenberg와 마찬가지로 12음 체계와 다양하고도 독창적인 대위법적(對位法的) 서법을 적용했지만, 보다 논리적이고 치밀한 음렬(音列)의 구성 및 악기 배합으로서 음 조직의 새로운 양식을 창조하려고 노력하였으며, Schoenberg가 개척한 기법을 최 극단까지 밀고 간 작곡가라고 할 수 있다. 특히 미지의 음 세계를 개척한 Webern의 엄격한 12음기법과 독특한 리듬은 제 2차 세계대전 후 점차로 높이 평가되어 전자음악을 비롯한 현대음악의 주류에 가장 큰 영향을 미치고 있다.이러한 Webern의 특성은 Schoenberg와의 관계에서 완전히 새로운 방향의 결과를 얻게 되지만, 그 역시 자신의 발달과정에서 Schoenberg처럼 후기낭만파의 반음계주의(半音階主義)와 자유로운 무조성, 음렬에 의한 유기성을 거친다.Ⅱ. 안톤 베베른의 각 시기별 음악적 특징Webern의 작품시기는 다음과 같이 세 개의 시대로 구분할 수 있다.제 1기 : 조성적 음악 (1988년～1908년)이 시기의 작품들은 그의 스승 Schoenberg의 지도하에 쓰여진 초기의 작품들이다. 주로 작품번호가 붙여지기 이전의 작품들은 전적으로 고전, 낭만 풍의 형식을 취한 반면 음향과 표현은 그 당시 쓰여지고 있던 Mahler, Strauss의 작품들에서 출발점을 찾는 방향으로 서서히 움직이고 있었다. 특히 Piano 5중주 곡에서는 Brahms의 장점을 모방하여 화성적 스타일, 전음계적 자료에 변화음적 기법과 특수음색의 추구 등 Brahms를 능가하는 발전을 보이고 있다.19n의 음열 구성 방법에서 음정 구조를 통한 통일성 구축방법이 특징적이다. 즉 음열을 구성하고 있는 4개의 작은 음열들이 서로 농축된 관계로 이루어져 있다고 할 수 있다. 1935년에는 음열의 여러 형태를 각기 다른 음정상에 이도해서 사용하는 음열의 층 배열이 두드러진 것이 특징이다. 1936년의 op.27은 Shoenberg의 아이디어인 “발전적 변주”를 극대화시켜 작품의 기본원리로 하였고 점묘적 스타일의 새로운 면을 보여준다. 마지막 작품인 1941년～1943년의 OP.31은 대위법적 기초에서 출발한 완벽히 대조적이 작품으로 모든 생물을 숭배하는 사상과 결합된 범 신론적인 특성을 띠고 있다.12음 음악은 수평적인 것(대위법/선율진행)과 수직적인 것(화성어법)을 완벽하게 섞는다는 이상에 정확하게 일치한다. 음렬(Reihe)은 거기에서 파생되는 변형들과 함께 스스로 두 요소를 구체화하고 형체를 부여하는데, 여기서 이 두 요소들은 그들의 구조를 통해서 악곡을 미리 정한다. 무엇보다도 반복의 원리도 12음 음악의 기본원리이다. 한 번 짜여진 음렬의 순서는 항상 엄격하게 지켜져야 한다. 베베른은 이 규칙에 대한 이유를 다음과 같이 설명한다: 이렇게 해서만이 기본음으로 가야 한다는 압박을 피할 수 있는데, 그것은 다른 음 보다 자주 나타나는 모든 음은 기본음의 기능을 갖게 되기 때문이라는 것이다. 이러한 문제는 자유로운 무조(無調)의 발전단계에서 나타났다. 베베른은 이 문제의 해결을 제시하였는데, 그것은 12음이 모두 나온 후엔 악곡을 끝나게 하는 것이다. 이렇게 함으로써 그 때까지 볼 수 없었던 극도로 짧은 악곡들이 생겨났는데, 이것의 의미는 표현의 집약(集約)이라는 것이다.베베른에게 12음 음악은 전통적 양식의 계속이다. 그는 또, 쇤베르크의 테마들도 역시 Period와 8마디악절에 기초를 둔다고 말한다.베베른에게서 음렬은, 한 체계의 요소들이 서로서로 연관되는 관계들의 집합이자 동시에 그것의 관련 규칙들을 포함하는 변형체계로 이해될 수 있다. 다시 말해 음렬의 내위한 6개의 바가텔 op.9 (1913)오케스트라를 위한 5개의 소품 op.10 1913첼로와 피아노를 위한 3개의 소품 op.11 (1914)소관현악의 교향곡 op.21 (1928)9개의 악기를 위한 협주곡 op.24 (플루트, 오보에, 클라리넷, 호른, 트럼펫, 트롬본, 비올라, 바이올린, 피아노) (1934)현악 4중주곡 op.28 (1938)오케스트라를 위한 변주곡 op.30, 1940실내악곡첼로와 피아노를 위한 《42개의 작품 - Two Pieces》 1899현악4중주를 위한 《느린 악장 - Iangsamer Satz》 1905현악 4중주와 피아노를 위한 5중주, 1906피아노 5중주곡, 1906현악 4중주를 위한 5악장 op.5, 1909Vc.pf. 의 소품 op.11, 1914현악 3중주곡 op.20, 1927Vl, Cl. Sax. PF.의 4중주곡 op.22, 19309개의 악기를 위한 협주곡 op.24, 1934현악 4중주곡 op.28, 1938.피아노곡피아노를 위한 악장 (1906)소나타 (1906)어린이를 위한 작품 (1924)피아노 작품 (1925)변주곡 op. 27 (1926)합창곡무반주 합창을 위한 《조각배로 달아나다(Entflieht auf leichten Kähnen)》 op.2, 1908합창, 첼레스타, 기타, 바이올린, 클라리넷, 베이스 클라리넷의 《두개의 노래》 op.19, 1926합창, 관현악을 위한 《눈빛》op.26, 1935소프라노 혼성합창, 관현악의 칸타타 제 1번 op.29, 1940소프라노, 베이스 혼성합창, 관현악의 칸타타 제 2번 op.31, 1943실내악 반주의 성악곡중성과 8개 악기의 반주를 위한 《2개의 가곡》 op.8, (1911~12)소프라노와 악기 반주를 위한 《4개의 가곡》 op.13 (1916)Cl. Va. Vc. 반주에 의한 《5개의 종교적인 노래》 op.15, (1922~1923)Cl. bass Cl. 반주의 《5개의 카논》 op.16, (1924)Sop, Cl. bass Cl. 을 위한 《3개는 베이스의 선율이 변함 없이 지속되면서 그 반복 위에 변주를 쌓아간다는 것이다.Concerto op. 24 for 9 Instrument12음열 자료.여름 바람에 (Im Sommerwind)베베른이 20살 때 쓴 Im Sommerwind는 그의 형성기에 끼친 많은 영향(특히 Richard Strauss)의 흔적들과 함께 그의 독특한 중기 스타일을 보여준다. 베베른의 금언적이고 간결하며, 강렬하면서도 무조의 후기 음악들을 아는 사람이라면, 완전히 구식임에도 불구하고 꽤 독창적이면서 화려하고 로맨틱한 음색에 놀랄지도 모른다.만약 우리가 이 작품을 쓴 사람을 몰랐다면 작곡가가 베베른이라고 추측할 수 있었을까? 과도한 추측을 한다 해도, 이 작품에서 무조의 베버른은 Sommerwind의 스타일에서부터 후기의 음악까지 어떻게 발전해 나아갔는지 이해할 수 있도록 만든다. 전기 작가 Malcolm Hayes가 지적하듯, Sommerwind는 확실히 이질감이 느껴진다. 후기 낭만주의의 Wagner, Mahler, and Strauss, and Webern와 같은 작곡가들의 짧은 무성음 선율에서 일반적으로 볼 수 있는 풍부한 하모니와 편곡법이 일치하지 않는다. 대부분의 후기 낭만파 음악에서 선율은 긴 악절 동안 폭발적인 표현과 감동을 표출하며 높이 치솟는다. 하지만 베버른의 선율은 음악 전개의 초반부에서 조차도 세밀한 선율을 가지고 있었다. 그렇기 때문에 Sommerwind의 선율은 멜로디 스타일과 수월하게 맞지 않는다. 이러한 불일치는 Sommerwind를 특별하고 기억하기 쉽게 만들게 했다. 이것은 모순에 바탕을 둔 음악풍을 가진 베버른이 그 이상을 이어나간다는 것이 불가능 하다는 것을 증명했다. 놀라운 것은, Sommerwind는, 궁극적으로 광범위한 멜로디 범위 보다는 세밀한 멜로디 방식을 선택했다는 것이다. 그 결과 신비하고도 섬세한 아름다움을 가지고 있는 그의 작품은 후의 작곡가들에게 많은 영향을 끼쳤다. 그의 완성된 스타일은 Sommerwind를 통해 들어볼 수 있다.

예체능| 2010.11.16| 7페이지| 2,500원| 조회(587)

현대음악, 쇤베르크, 무조음악, 안톤 베베른, 베베른, 빈악파

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20세기 작곡가 연구 - 리하르트 슈트라우스

20세기 작곡가 연구리하르트 슈트라우스 (Richard Strauss) 1864-1949Ⅰ. 슈트라우스의 생애와 예술.19세기 후반 낭만주의 음악의 선두주자이자, 독일 음악을 대표하는 최고의 예술가로 추앙 받는 Richard Strauss. 그는 1864년 6월 11일, 당시 바이에른 왕국의 뮌헨에서, 뮌헨 왕립 오페라의 수석 호른 주자였던 프란츠 슈트라우스의 아들로 태어났다,아버지 F. 슈트라우스도 뛰어난 음악가로서 뮌헨 궁정관현악단의 제1호른 주자 겸 왕립음악학교 교사를 지냈다. 그는 어린 시절부터 완벽하지만 보수적인 음악 교육을 받았고, 나이 여섯에 첫 음악을 작곡했다. 부모로부터 음악적 재능을 이어받은 그는 11~16세 때까지 그곳 궁정악장 마이어에게 사사하여 12세 때 《축제행진곡》을 작곡하고 13세 때는 멘델스존의 협주곡과 바흐의 평균율을 연주하였다 한다.1874년에 슈트라우스는 처음으로 바그너의 오페라 《로엔그린》, 《탄호이저》, 그리고 《지크프리트》를 듣게 된다. 바그너의 음악이 슈트라우스의 음악 양식에 준 영향은 아주 깊었다. 사실, 슈트라우스 집안에서 리하르트 바그너의 음악은 열등한 것으로 취급되었다. 처음에는 철저한 반(反)바그너 주의자였던 아버지의 감화로 바그너를 좋아하지 않았으나 그 후 점차 리스트와 바그너에 심취, 마침내는 열렬한 바그너 신봉자가 되었다. 그리하여 오페라에서는 바그너보다 감미로우면서도 관능적인 선율로, 교향시(交響詩)에서는 리스트보다 자유로우면서도 광범한 내용 속에서 자신의 음악을 발전시켜 나갔다.1882년에 그는 뮌헨 대학에 입학하여 거기에서 음악이 아니라 철학과 예술사를 배웠지만 그는 일년 후에 베를린으로 떠났다. 거기에서 그는 자리를 얻기 전에 보조 지휘자로서 한스 폰 뷜로에게서 잠깐 배우고, 그가 1885년에 은퇴했을 때에 마이닌겐 관현악단의 악장에 취임, 뮌헨에서 그의 자리를 이어 지휘자로서도 활동하게 되었다. 브람스에게 재능을 인정받은 것도 이 무렵이다. 그는 뮌헨 ·바이마르 ·베를린 ·빈 등지의 각 오페라극 가로챘다.1938년, 나라 전체가 전쟁을 준비하고 있던 시기에, 근본적으로 평화에 대한 송가이자 제3제국에 대한 얇게 가린 비평에 다름 아니었던 《평화의 날》(30년 전쟁 때 포위된 요새 안을 배경으로 한 단막 오페라) 을 제작하기로 한 그의 결정은 뜻밖으로 용감해 보였다. 작품 내의 자유와 종속, 전쟁과 평화, 빛과 어둠의 대비로, 이 작품은 슈트라우스의 다른 어떤 최근 오페라보다도 《피델리오》와 연관된 것으로 간주되어 왔다.Ⅱ. 작품 목록∙ 관현악곡교향적 환상곡 《이탈리아에서》G장조 Op.16교향시 《돈 후안》Op.20교향시 《맥베드》Op.23교향시 《죽음과 정화》Op.24교향시 《틸 오일렌슈피겔의 유쾌한 장난》Op.28교향시 《차라투스트라는 이렇게 말했다》Op.30교향시 《돈 키호테》Op.35교향시 《영웅의 생애》 (Ein Heldenleben , Op.40 )가정 교향곡 Op.53알프스 교향곡 Op.64모음곡 《평민 귀족》Op.60쿠프랭의 클라브생곡에 의한 《무용 모음곡》메타모르포젠∙ 협주곡피아노와 관현악을 위한 《부를레스케》d단조바이올린 협주곡 d단조 Op.8듀엣 콘체르티노 F장조오보에 협주곡 D장조호른 협주곡 제1번 E♭장조 Op.11호른 협주곡 제2번 E♭장조∙ 실내악세레나데 E♭장조 Op.7바이올린 소나타 E♭장조 Op.18첼로 소나타 F장조 Op.6∙ 오페라살로메 Op.54 ( Salome, 1905 )엘렉트라 Op.58( Elektra, 1909 )장미의 기사 ( Der Rosenkavalier )낙소스 섬의 아리아드네 Op.60그림자 없는 여인 Op.65아라벨라 Op.79말없는 여인 Op.80다프네 Op.82카프리치오 Op.85∙ 가곡4개의 마지막 노래 – (소프라노, 오케스트라를 위한)4개의 가곡 Op.27비어바움의 시에 의한 3개의 가곡 Op.29클레멘스 브렌타노의 시에 의한 6개의 가곡 Op.68헌신 Op.10-1아닐세! Op.10-2밤 Op.10-3위령절 Op.10-8귀향 Op.15-5세레나데 Op.17-2아가씨, 무엇 때문에 Op곳곳에 붙여졌다 하더라도 이 음악은 음으로 철학적 체계를 묘사하는 시도록 간주될 수는 없다. 니체의 이념은 단지 슈트라우스의 음악적 상상력을 자극하는 것에 일조했을 뿐이다.여기서 유일하게 분명히 나타나는 인위적인 수법은 모든 것을 포용하지만 어둡고 음울한 Wissenschaft(과학·학문·지식)’를 상징하기 위하여 반음계의 열두음을 모두 사용하고 있는 푸가 주제의 구성이다. 이러한 상징성은 각각 4부분으로 나누어진 더블 베이스와 첼로로 낮게 깔리는 두꺼운 음향의 푸가 제시부로 강화된다. 가 준비되지 않는 청중들을 따라가기 어렵게 하는 것은 이러한 부수적인 사건들 때문이 아니라 한 악장으로 된 이 교향시의 길이(30-35분)와 밀도 높은 다성적 텍스처, 자유로운 환상적 형식, 분위기의 변덕스러운 다양성 때문일 것이다.작곡은 1896년 2월부터 8월에 걸쳐 완성했으며, 초연은 작곡자 자신의 지휘로 이루어졌다.교향시 《틸 오일렌슈피겔의 유쾌한 장난 (Till Eulenspiegels lustige Streiche)》 Op.28슈트라우스가 작곡한 교향시로(1894~95), 독일 시골 민화 속 인물인 틸 오일렌슈피겔의 불운과 장난에 관한 연대기를 담고 있다."옛날 아주 고약하게 장난이 심한 놈이 있었다네"라고 쓴 바이올린 선율로 곡을 시작한다.틸을 대표하는 2가지 주제가 각기 호른과 클라리넷으로 연주된다. 호른에 의한 주제는 쾌활한 선율로 극치에 올라갔다가 아래로 떨어지며, 3가지 길고 큰 음표들과 각기 점진적으로 낮게 끝마치게 된다. "그 이름은 틸 오일렌슈피겔"의 주제이며 전 곡 속에 자주 나타나는 선율이다. 클라리넷에 의한 주제는 정교하고 달콤하다. 어느새 경쾌한 리듬으로 바뀌고 틸은 장난 행각을 떠난다.“옛날 옛적에” 라는 주제를 호른 독주로 첫 번째 틸 주제의 두 반복 선율에 활기차게 연주하면서 시작된다.이 주제는 론도 형식 (리하르트 슈트라우스는 재치 있게, rondeau 라고 적었다.) 안에서 나머지 오케스트라가 뒤따르고, 이 도입 부분은 tutti orcalome)리하르트 슈트라우스의 단막 오페라. 헤트비히 라흐만이 독일어로 번역한 오스카 와일드의 희곡을 기초로 작곡가 슈트라우스 자신이 대본을 직접 썼다. 1905년 드레스덴 궁정 오페라단에서 초연되었을 당시 현란한 관현악 편성, 감각적이고 실험적인 화성, 관능적이고 부도덕한 줄거리로 커다란 물의를 일으킨 작품이다. 바그너의 영향을 받아 주도동기와 화려한 관현악법을 구사했다. Hyperlink "http://blog.naver.com/flyingbird97/120030761881" http://blog.naver.com/flyingbird97/120030761881 참고! ★ 설명 짱!2) 엘렉트라 (Elektra)리하르트 슈트라우스의 단막 오페라. 소포클레스의 비극을 기초로 한 호프만슈탈의 희곡을 가지고 호프만슈탈이 직접 대본을 썼고, 1909년 드레스덴 궁정 오페라단에 의해 초연되었다. 심리적 긴장을 표현하기 위해 가능한 모든 음악적 수단을 과장적으로 사용한 것으로 유명한 표현주의 작품이지만, 조성을 완전히 깨뜨리지는 않았다.3) 장미의 기사 (Der Rosenkavalier)리하르트 슈트라우스의 오페라. 1911년 드레스덴에서 초연되었고, 오스트리아의 작가 호프만슈탈이 대본을 썼다. 18세기 마리아 테레지아 때 빈을 배경으로 한 희가극이다. '장미의 기사'는 약혼 축제 때 은으로 만든 장미를 약혼녀에게 바치는 사람을 가리키는 말로, 18세기에 유행한 관습이다. 화성과 관현악법에 있어서 바그너의 영향에서 어느 정도 벗어난 개성적인 작품으로 이전 작품인 〈엘렉트라〉·〈살로메〉에 비해 비교적 단순하고, 불협화음을 덜 사용했으며 선율도 더 아름다워 가장 많은 사랑을 받는 작품이다. Hyperlink "http://blog.chosun.com/blog.log.view.screen?blogId=30738&logId=3671963" http://blog.chosun.com/blog.log.view.screen?blogId=30738&logId=3671963 참고!독주하고자 했었던 것으로 볼 수 있다.슈트라우스 가곡 중에서 큰 비중을 차지하는 곡이 소프라노를 위한 곡들이다. 그 이유는 그의 아내인 소프라노 파울리네 데 안나를 위해 작곡했기 때문이다. 그래서 그의 작품에는 소프라노의 아름다운 음색을 살리기 위하여 비교적 긴 선율을 사용한 곡이 많다. 이런 요소 덕분에 그의 가곡은 유연하며 서정적인 선율의 흐름과 동시에 이탈리아적인 선율미를 동시에 느낄 수 있다. 이 선율미는 전음계적 선율과 화성에 기본을 두고 있으며 또한 간결한 형식에도 그 의존하는 바가 크기 때문에 형식의 확대나 조성의 다변화에도 불구하고 균형감과 서정성을 잃지 않게 되었다.는 슈트라우스의 가장 완숙된 기법과 표현이 유감없이 발휘된 최고의 걸작 가곡이다. 그는 1949년 9월에 죽었는데, 약 1년 전인 1948년에 를 완성했다. 로서 자신의 음악적 삶을 정리한 셈이다.80년이 넘는 제법 긴 세월을 산 노년의 슈트라우스에게 자신의 삶이 어떻게 비쳐졌을까. 영광의 극을 달리다 최악의 나락으로 떨어진 인생에서 느낀 것 그것이 바로 가 아닐까. 파란 많은 인생을 산 사람의 마지막 인생 고백으로 를 읽을 때 우리는 보다 진실에 가깝게 그의 음악을 이해할 수 있을 것이다.네 개의 마지막 노래이 작품은 제목 그대로 4곡의 가곡으로 이루어져 있는데, 대단히 규모가 큰 가곡임에도 불구하고 연주 시간은 평균 5분 내외로 짧은 편이다. 일관된 줄거리가 있는 작품은 아니지만 내용상 전혀 연관 관계가 없는 것도 아니다.처음의 3곡은 헤르만 헤세의 시에 붙인 것으로 제1곡이 ‘봄’, 제2곡이 ‘9월’, 제3곡이 ‘잠자리에 들 때’이며, 마지막 곡인 제4곡은 아이헨도르프의 시에 붙인 ‘석양에’이다.정확한 작곡 시기는 1946년 말에서 1948년 9월 사이였다. 하지만 아쉽게도 곡의 초연은 슈트라우스가 세상을 떠난 지 약 8개월 후인 1950년 5월 22일에 열렸다.제1곡 ‘봄’(Fruehling)헤르만 헤세의 시 ‘봄’은 헤세가 낭만주의 전통에 충실했던 초기의 작품으로 서정성이 짙은

예체능| 2010.01.13| 9페이지| 2,500원| 조회(639)

현대음악, 오페라, 실내악, 교향시, 리하르트 슈트라우스, 20세기 작곡가, Ric..

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